Sémele, filla del rei Cadmo de Tebas, mare de Dionís- Baco.
Es aquest blog sobre pintura i escultura. Però… mitològica, pagana. És un món antic, clàssic, fantàstic, personal en el que vos vull endinsar fins on arriben els límits de la imaginació i contemporitzar-lo. És un espai per compartir amb vosaltres imatges bellíssimes del cos humà, perquè així ho feien els grecs.
Cuando se habla de cuerdas sobre un cuerpo la mente asimila
inmovilidad, aprisionamiento, esclavitud… incluso muerte. Sí, cierto es todo
eso, pero la mente va más allá, el efecto del pensamiento hacia esos adjetivos
hacen sentir el dolor y ese dolor de la imagen que ofrece la mente lleva a
tener una visión muy negativa.
Sin saber lo que es, sin tan siquiera haberlo probado se
podría decir que “no” cuando alguien se acerque con una cuerda entre sus manos.
Pero cuando has vivido el placer y éste ha sido posible gracias a una cuerda,
la cosa cambia completamente, olvidamos las imágenes de esclavos desconocidos
atados, olvidamos ahorcamientos, olvidamos historias y nos quedamos con la
experiencia, con lo que ella nos ha hecho vivir, con las sensaciones, con la
libertad de sentirnos atados al placer, ...inmovilizaciones,........anulacion,.........es no-pensamiento,..........es no-yo,............no-identidad ,............no
normalidad,............esto es LIBERTAD.
Alma entregada y esencia sumisa, no lo reconoces porque te
da miedo darte cuenta. Temes reconocer que tus deseos se apartan del
convencionalismo, por eso no quieres abrir los ojos, no quieres probar, no
quieres buscar, conocer y entregarte. Quieres dejar encerrados, en el lugar más
recóndito de tu mente, esos pensamientos obscenos, enfermos, raros y anormales
que te hacen excitar como nada nunca ha hecho. Pero tu obscenidad, rareza,
anormalidad y enfermedad no es más que el resultado de tu propia mente, de tus
propios límites, de ti mismo y de tu propio enjuiciamiento.
Este mundo, todavía machista, retrógrado, conservador y falso, tiende a
querer imponer, sí a imponer, aunque de forma maquillada bajo el manto de una
sociedad permisiva y moderna y nos ha inculcado que un hombre pierde toda su
hombría (aún no comprendo bien el porqué de ese término) si se deja dominar,
llevar, mandar, someter, servir, humillar, etc.
......si tener fantasías, si dejarse llevar por lo que uno
siente y quiere, si querer encontrar esa parte de uno que le completa, si
querer ir a contracorriente, si buscar y obtener la libertad mental y física,
si olvidarse de lo que se debe ser y se debe pensar es ser raro o estar mal de
la cabeza, vais a permitirme deciros que entonces…¡SÍ, COMPLETAMENTE!.
¿quién y cómo se define lo que es normal? ¿Es normal seguir lo que dicta
la sociedad pero no es ni tan siquiera cuestionable seguir un camino propio y
descubrirse? Ok y ahora que alguien me cuestione que esa sociedad “normal”,
repleta de falsedad, egoísmo, mentiras y engaños no es una verdadera locura…
¿Quién es raro?
La forma continua sent la d'un killix, de fet utilitze les mateixes plantilles per a tornejar-lo. Però he canviat el vernís amb que l'acabava i el dibuix de Dionysus del centre de la copa l'he sustituit per un relleu.
El nou vernís s'allunya dels vernissos grecs amb que acabaven estes copes els grecs. El que utilitze ara és més blau ... m'agrada més.
Com sotmetre a hephesto? nugant-lo Perquè sotmetre-lo? Per retindre-li la força, per tindre'l de pasiu.
La passivitat és una recompensa, un triomf
Ahora lo tienes a tu merced, todo su cuerpo es tuyo para explorarlo,
para descubrir e investigar esas partes que siempre has querido tener a tu capricho y nunca te has atrevido.
Puedes acariciarlo y excitarlo como gustes.
Por supuesto puedes maltratarlo y hacerlo sufrir.
Él no puede hacer nada.
Eres totalmente su dueño.
Hazle sentir que tú eres, el dueño de su dolor y también de su placer.
¿Por qué resulta erótico inmovilizar o restringir el movimiento? Para la persona atada, el efecto es en parte físico: la presión de las cuerdas sobre puntos sensibles y zonas erógenas, el roce que puede ser suave o áspero según el tipo de cuerda. Los efectos psicológicos son potentísimos y a veces contradictorios: el chorro de adrenalina al sentirse indefenso y a la merced del atador, frente a la relajación y confianza de saberse en buenas manos y poder librarse de toda responsabilidad y vergüenza, atar fuertemente es abrazar. Las cuerdas se convierten en una extensión de los dedos del atador.
El establecimiento de una comunicación fluida entre atador y atado convierte una sesión de shibari en un cruce entre baile intenso y pelea de artes marciales… Entra también en juego el aspecto estético: la disposición de las cuerdas realzando y subrayando las formas de la persona atada, la contorsión erótica de los cuerpos, las posturas tanto expuestas como recogidas, tensas o relajadas. La expresión de la cara de la persona atada suele ser clave en las fotografías de shibari: crea un instante potente y significativo.
¿Y qué hace el atador cuando tiene a la “víctima” a su merced? ¿La azota? ¿La acaricia? ¿La fotografía? Pues todo, parte o nada de lo anterior, dependiendo de la relación existente entre ambos (tan ligera como atador/modelo fotográfico o tan profunda como pareja habitual). Cada tipo de interacción tendrá su propia energía artística y vital.
Publicat a la web: Jot Down. Contemporary culture mag. Article: Shibari, el arte japonés de la atadura eròtica.
... encaminóse a los fuelles, los volvió hacia la llama y les mandó que trabajasen. Estos soplaban en veinte hornos, despidiendo un aire que avivaba el fuego y era de varias clases: unas veces fuerte, como lo necesita el que trabaja de prisa, y otras al contrario, según Hefesto lo deseaba y la obra lo requería. El dios puso al fuego duro bronce, estaño, oro precioso y plata; colocó en el tajo el gran yunque, y cogió con una mano el pesado martillo y con la otra las tenazas.
La Ilíada - Canto XVIII. vv. 468 . Homero
vulcans-forge-luca-giordano
El següent déu que treballe: Hephesto, el déu del foc. Alguna prova de pintura havia fet ja i vos l'he presentada en el blog però necesitava pintar una sèrie amb un fil concret i seguit. És el que he estat fent aquestos mesos. Continue amb el meu afany... reivindique "un mar de deus plurals, de morals obertes, d'afany d'hedonisme i de sana i ritual luxúria" Però qué és Hephesto? què representa?
La força.
El model s’ajusta al tipus amb que pretenc asociar a Hephesto.
Un tipus masculí fort i jove, agresiu, poderós d’imatge, no he buscat un model
que responga al canon de bellesa, la bellesa ve donada per la intensitat i pel
poder de la mirada, de la musculatura, per la tensió de l’anatomia… és un model
molt diferent a dionisi. Dionisi sí responia a un canon de bellesa, amb
l’altura, les proporcions, l’armonia de les extremitats i el tors, amb la
bellesa de rostre,…
Però he sigut més bast a l'exposar al model, més dur, més sadomasoquiste, ...
Taula II, del retaule d'hephesto. Oli sobre fusta, 80x 105 cm. Semele 2013.
Un cuerpo, un hombre duro, grande y fuerte, un bello animal. Tan animal como yo, que lo deseo. Lo deseo poseer, hacerlo mío.
Quiero que me responda cuando lo toco como responde un instrumento al músico, como responde el mármol al escultor.
necesito sentirlo vivo, vibrando, cercano, necesito nutrirme de su fuerza.
Tanto lo deseo que me es indispensable despertarle el deseo oculto, su necesidad y su hambre de de ser poseído, su fuego.
Dionysus dormint. Oli sobre taula, 120x 80. Sémele. Octubre 2014
Aquest és l'ùltim quadre que pinte de Dionysus en una bona temporada. Necessite parar la pintura d'aquest model per a començar amb el seguent model i déu: Hephesto. A més a més coincideix aquest temps amb la tardor i la finalització de la verema; els grecs dormien per aquestes dates al Déu per a renàixer-lo en primavera quan la vinya comença a brotar. Jo vaig a fer el mateix.
Pinte el cos bell d’un
jove, sí. Però açò s’ha fet en l’art, multitud de vegades. La pintura
figurativa és una mímesi de la realitat. Però perquè? Alguna cosa més deu haver
en aquesta acció.
Podria ser que pintar el model
és desitjar-lo?
Pintar el model, no ja per
seguir un determinat canon de bellesa, que és important. Si no pel pols eròtic
que en sí té el desig i el pols desitjable que tindrà en sí la imatge. Però si
parlem de pintura homoeròtica caldrà puntualitzar algunes coses.
Contemplar un quadre d’un
Dionysus és apreciar la figura-imatge del Déu amb les seues belles proporcions,
però també és despertar l’instint de desig de la mirada fetichista. I açò de la
mirada fetichista és el que caldrà debatre. La pintura figurativa és per a ser
mirada sense importar el génere, la pintura figurativa homoeròtica també? En
ambdos casos actua el desig i el que cal debatre és si amb el desig importa el
génere del que mira.
Arthur C. Danto ens
explica perquè el cos és tan important en l’art, i com que en la pintura
figurativa i per al génere el cos és imprescindible veiem que diu:
Qué
es el arte. Arthur C. Danto. Paidós estética.
(…)
la vida sin el sentimiento del organismo corporal no es otra cosa que la
conciencia de la existencia, mas no el sentimiento del bien o el mal estar, es
decir, del ejercicio fácil o penoso de las fuerzas vitales; porque el espíritu
por sí solo es la vida (el principio de la vida), y los obstáculos o los
auxiliares deben buscarse fuera de él, pero siempre en el hombre, por
consiguiente, en su unión con el cuerpo.
Immanuel
Kant, crítica del Juicio.
En primer lugar, me llama
la atención que nuestra condición corporal haya jugado un papel muy
importante en nuestra tradición artística,…
…La genialidad de la
religión cristiana es que, por mucho que sus misterios esenciales queden fuera
de nuestro alcance, encontró el modo, sobre todo a través del arte, para
traducirlos en términos que todo el mundo entiende, y en situaciones en las que
todos hemos crecido bajo el cuidado de alguien. Con esto me refiero a la imagen
primordial del arte occidental, que es la madre con el niño.
… pero la historia
verdaderamente sorprendente es la que tiene que ver con la representación de
los seres humanos a través de sus estados interiores: el sufrimiento, el
hambre, y sobre todo el amor y el deseo.
Nicolas Poussin. Sagrada
Familia. Instituto de las Artes de Detroit.
El lienzo nos muestra a la
Virgen jugando con su bebé, mientras calienta algo en una escudilla con lo que
le alimentará, pues está en proceso de estar destetado. San José aparece
apoyado en el alféizar de la ventana, tal vez dando una pequeña cabezada,
habiendo sido desvelado por los lloros de Jesús, durante la noche. Sabemos
exactamente lo que todo el mundo está pensando y sintiendo. Nada, por supuesto,
nos revela que la Sagrada Familia sea santa, eso queda para el ojo de la fe.
Incluso para empezar a saber lo que significa que sean santos uno precisa haber
interiorizado un relato metafísico bastante complejo, que empieza con la
desobediencia, el pecado y el conocimiento que tenemos del bien y del mal. Pero
los artistas se las arreglan perfectamente para mostrar de qué manera los
personajes de la Sagrada Familia eran humanos. Hay una gran diferencia entre
saber que la Virgen y el Niño son felices y que se aman, y saber que la Virgen
está libre de pecado y es el instrumento escogido por el Espíritu Santo. Ambos
conocimientos pueden llevar una inferencia, pero la inferencia primera es de
las que hacemos todos los días de nuestras vidas sin pensar. Nos enteramos de
esto, por así decirlo, sobre las rodillas de nuestra madre. Respondemos
espontáneamente con amor a una mirada llena de amor.
Les imatges serveixen per
a reconèixer els nostres sentiments. Els sentiments… alló que aprenem vivint,
sense interferències intelectuals, ni dogmes moralitzants, …
… Es la mente encarnada
la que Descartes intenta explicar en su traité de 1664. Lo que de verdad le
interesa es qué tiene lugar en la mente hecha carne: la pasión y el deseo, las
sensaciones de los sonidos, los olores, los sabores y los cambios térmicos:
todas las sensaciones corporales.
I cert és que ho aprenem. Som
capaços de situar-nos en el lloc de l’altre quan sofreix i quan s’alegra. Som
capaços de reconèixer la pena d’un altre ésser humà i som capaços d’acompanyar-lo
perquè d’alguna forma hem aprés el que és la pena, el que es sent sense importar el génere.
Por decirlo de otro modo,
ver y sentir son dos sensaciones muy distintas: uno puede ver la pluma
recorriendo la planta del pie, pero a través de las vías visuales no sentirá el
cosquilleo que la pluma suscita en la piel. Pensemos en la relación física más
íntima que existe, la relación sexual. Hemos entrado/ cubierto el cuerpo del
otro. Pero lo que el otro está sintiendo es un misterio tan antiguo como
nosotros mismos. No importa cuál sea el comportamiento sexual de la otra parte,
queremos saber si ha sido “bueno”. Sabemos lo que se siente. Pero lo que el
otro siente ya es causa de duda: recordemos el orgasmo fingido de Meg Ryan en
Cuando Harry encontró a Sally.
A mi entender hay dos
cuerpos: uno, el cuerpo al que se accede a través de la incisión y la
disección, así como por rayos X o resonancia magnética y otro, el cuerpo de la
psicología popular, que expresa cólera y dolor y similares. Si elimináramos la
psicología popular, no tendríamos ni idea del significado de lo que encontramos
en el cuerpo. Si eliminamos lo que la ciencia nos dice, no tendríamos ni idea
de cómo estos significados son posibles.
En l'èsser humà ens trobem
el desig. Forma part de la nostra ciència (som animals i tenim una fisionomía concreta)
però m'agrada més reconèixer-lo en el cos de la psicologia popular, com la
nomena Danto. Som èssers amb desig i sexual. I no cal mencionar la repressió
moral que al llarg de la historia ha sofrit, i que conseqüentment esta
repressió ha modelat la percepció visual que tenim del desig, que és la que ens
permet reconèixer-nos en els altres, reconèixer el que som: cosos amb
sentiments. I cada ésser humà sentirà amb més intensitat uns sentiments que
altres però estic completament segur que son els mateixos sentiments per a tots
els géneres. Aleshores:
"... el cuerpo del
hombre no es una barrera que repele las miradas sino un objeto disponible. Se
ofrece una disponibilidad visual con todo lujo de detalles, extrayéndola en
cierto modo de la femineidad donde se hallaba recluida. Y decir disponibilidad
conlleva la aceptación de una pasividad tradicionalmente vinculada con la
esfera de lo femenino y de lo socialmente degradado por tratarse de
dominación."
BAJO VIENTRE.
Representaciones de la sexualidad en la cultura y el arte contemporáneos. Juan
Vicente Aliaga.
La meua pintura de
Dionysus està feta per a mirar-la, però per a mirar-la amb una mirada
fetichista, que s'entere la masculinitat del món, i que ho reconeguen i que
gaudisquen.
La feïna de retoc d'alguns quadres, que vaig començar el mes passat, ha acavat convertint-se en feïna de repintar. No és que m'agrade repintar sobre el que ja és, però he de reconèixer que als quadres els feia falta. Ara es veuen millor.
Però no vos el vaig a mostrar encara. Algo vos anuncie:
Estem acabant el mes de setembre. Ja estem immersos en la verema, recollint els xanglots de raïm i preparant les bodegues per a guardar els caldos, caldrà pensar en dormir a dionysus.
Ara farà aproximadament 18 anys un molt bon amic em feia per recomanació la lectura d'aquest llibre: Joan Fuster. El descrèdit de la realitat. Edit. Bromera. I ara sé després de 18 anys que em va fer el millor regal que em podia fer. Gràcies R.
Quan l'espectador se situa davant un quadre, el que primer hi veu és l'anècdota, el conjunt de figures representades en ell, i en canvi, negligeix els valors considerats com específicament pictòrics. Una senyora nua, una lamentable família reial, unes velles abruixades: això és tot el que és capaç de trobar en l'obra de Goya. I són pocs, en efecte, els contempladors que passen més enllà d'això. I aquells teoritzants agreguen que "la mateixa anècdota" que pintava Goya, si la reprenia pel seu compte un pintor vulgar, donaria per resultat un quadre mediocre. També això sembla cert, i ens confirmaria la subalternitat radical del "tema". Precisament aquesta última constatació ens empistarà cap a una pregunta crucial: el "tema", la cosa a pintar, en Goya, i en el pintor mediocre, és "el mateix" -la mateixa? L'anècdota que tots dos pintarien, està fora d'ells, desvinculada d'ells, totalment objectiva? Crec que no. L'objecte pintat no és el mateix en el pintor mediocre i en Goya. L'objecte no està sol, nu, després: l'objecte "és" en tant que "és vist", i suposa en conseqüència l'ull que el veu, amb la singularitat inherent. O dit d'una altra manera: allò que veritablement el pintor pinta, no és la cosa -donya Cayetana, don Carlos i la seua parentela, les alcavotes o els "majos"- sinò "la seua relació amb la cosa". La història de l'art europeu ens permetria de contrastar aquesta apreciació amb un abundant conjunt d'exemples. Els temes religiosos i mitològics, posem per cas, han estat repetits, infinitament repetits, pels pintors de totes les èpoques.
Pose un exemple que sempre m'ha agradat per clar i directe:
El rapto de Ganímedes. Rubens.
El rapto de Ganimedes. Rembrandt
El Ganímedes de Rembrandt nos produce un cierto desconcierto
por la manera en que está tratado el tema mitológico (verdaderamente
escandalosa para cualquier espíritu clasicista), puesto que Rembrandt parece
hacer una amarga burla de la fábula divina. "En otro tiempo, el rey de
los dioses se abrasó de pasión por el frigio Ganimedes, y encontró algo que
Júpiter deseó que fuera algo más de lo que era. No se dignó en transformarse en
ningún pájaro, sino en aquel que puede llevar su rayo. Y sin tardar, batiendo
los aires con sus alas figuradas, raptó al nieto de Ilo; y todavía, en la
actualidad, es el que mezcla la bebida en las copas, y, a disgusto de Juno,
sirve a Júpiter el néctar" (Ovidio, Las metamorfosis, libro décimo)]
Según la fábula, pues, el hijo del rey de Troya, Ganimedes,
era tan bello que su hermosura llegó a oídos de Zeus y decidió raptarlo y darle
en el Olimpo el oficio de copero de los dioses. De acuerdo con el mito, la escultura
antigua y luego el arte del Renacimiento habían hecho de Ganimedes un mancebo
deslumbrante, un arquetipo de belleza masculina. (Rubens així ho fa)
"Rembrandt ha imaginado una escena realista, quitando a
la leyenda toda su poesía. El águila que encubre a Zeus es un pajarraco de mal
agüero que sale de las sombras para cometer su fechoría. Y Ganimedes es un niño
francamente feo, en postura indecorosa al debatirse berreando contra la
violencia del rapto.
El cuadro de Rembrandt pertenece a la ideología en imágenes
del barroco holandés, aunque la mitología no juega el mismo papel que tiene en
Rubens y además es objeto de una crítica radical. El tema mitológico está
desheroizado; "en lugar de un bello efebo que, en éxtasis, se abandona a
su raptor, tenemos un niño que llora y se orina a causa del miedo que le
infunde aquel enorme pajarraco que lo arrebata en el momento en que estaba
comiendo tranquilamente unas cerezas." (Hadjinicolaou, N., ob., cit, pág.
188). Para Fritz Saxl, Rembrandt ha pintado la historia de Ganímedes
transformándola en comedia. Emil Kieser ve en el cuadro
"una protesta no contra la antigüedad, sino contra el discreteo insípido y
lascivo usado con ella, y Rembrandt no carece de ingenio al hacer su
demostración sobre el amor de los efebos, tan idealizado en el mundo antiguo
(Ganímedes es el único objeto de amor de Júpiter que puede entrar en el Olimpo)
y que execra el mundo moderno (...) El hecho de que en círculos calvinistas del
siglo XVII se tenía entera conciencia del contenido homoerótico de la fábula,
se demuestra por el nombre de 'Ganímedes' atribuido a les homosexuales".
Kenneth Clark es quien lanza, no obstante, la crítica más virulenta: "La
más inquietante y la más inolvidable de las pinturas anticlásicas de Rembrandt
es el Rapto de Ganímedes (1635), actualmente en la galería de Dresde. Es una
protesta no sólo contra el arte antiguo, sino contra la moral antigua y contra
la combinación de las dos en la Roma del siglo XVI.
El mateix "tema": el rapte de Ganímedes, però amb tractament molt diferent. I respecte al recursos plàstics basta comparar la lluminositat i color de Rubens amb el contrastat fons fosc i tènebre de Rembrandt. I torne al text de Fuster:
L'objecte "és" en tant que "és vist" i vist per "un ull": enteneu-ho bé, dic un "ull" per referir-me al complex humà íntegre del pintor; no es tracta, doncs, de la visió immediata; podríem qualificar-la més aviat, si la fórmula no fos una mica pedant, de "visió cultural", encara que el pintor siga analfabet. En "l'ull" de l'artista s'acumula un pòsit incalculable d'elements, que van des de la creença- o descreença- religiosa fins al seu estat físic, i des d'aquest factors plenament personals fins a d'altres de col·lectius. No apartant-me de la fraseologia engolada, podria afegir-hi que aquella "visió" és la "cosmovisió" del pintor: la seua Weltanschauung. És la posició de l'artista respecte de l'objecte -respecte al món- allò que en definitiva pesa, allò que determina el seu estil, "l'estilització". El pintor és com el poeta, o com el novel·lista, com el músic, com tot artista; un home que "veu" més clar i més enllà que els altres i que ens fa accessible la seua visió.
